アリス・チャナー, ローター・ヘンペル, ジョン・ラフマン, アマンダ・ロス・ホー, ハンク・ウィリス・トーマス, ティムール・シチン, アーティ・ヴィアカント画像オブジェクト

市役所公園

30年19月2015日-XNUMX月XNUMX日

展覧会について

私たちの都市空間における日々の体験は、テクノロジーによって媒介されています。タクシー、地下鉄の駅、街路のスクリーンに映る映像から、スマートフォンの地図、カメラ、ソーシャルネットワークに至るまで。私たちはこれらのデバイスを使って、オンラインで生活の軌跡を辿り、記録し、共有しています。そうすることで、私たちは急速に変化するデジタルランドスケープの創造に関わっているのです。こうした現代の状況に対応するため、 画像オブジェクト デジタル文化とそれがイメージとオブジェクトの関係に与える影響に関心を共有する 7 人の国際的なアーティストの作品を集めた展覧会です。

この展覧会のために特別に制作された新作では、各アーティストが元となる画像から着想を得て、デジタル技術を駆使して新たな彫刻作品を制作しています。アリス・チャナーの落石（2015）とジョン・ラフマンの 新時代の要求 （2015）は、高度なデジタルファブリケーションツールを用いて画像を立体物へと変換しています。アマンダ・ロス＝ホーやアーティー・ヴィアカントといったアーティストは、彫刻作品が記録され、オンラインで共有される際に、その写真的な生命を直接的に表現する作品を制作しています。画像がオブジェクトへと変換され、オブジェクトが画像として流通するにつれ、物理的世界と仮想世界の境界は曖昧になり、私たちに周囲の世界の見方を再考させるきっかけを与えています。

画像オブジェクト アンドリア・ヒッキーがキュレーションを担当しています。

メディアギャラリー

アーティストについて

アリス・チャナープロフィールを見る

アリス・チャナーは、作品を通して、デジタル領域と物理世界を融合させ、自然と消費文化というテーマを探求する潜在能力を探求してきました。工業素材やポスト工業化時代の素材を用い、紙、布、金属といった日常的な素材を用いて、具象的かつ抽象的な彫刻作品を制作しています。これらの素材は、プリーツ加工や伸縮といった様々な変化によって変化し、有機的な美学と工業的な美学が予期せぬ形で融合し、素材と彫刻のプロセスとの関係性に疑問を投げかけます。

アリス・チャナー（1977年、イギリス、オックスフォード生まれ）はロンドンを拠点に活動しています。2015年、コロラド州アスペン美術館、2013年、ドイツ、フライブルク美術館、2012年、サウス・ロンドン・ギャラリーなどで個展を開催。また、パリのパレ・デ・ボザール、ロンドンのテート・ブリテン、マイアミのフロスト美術館などでもグループ展に出品しています。2013年には、第55回ヴェネツィア・ビエンナーレに出品しました。 百科事典宮殿彼女の作品は、英国のアーツカウンシル・コレクション、テート美術館パーマネント・コレクション、ザブルドヴィッツ・コレクションなどに収蔵されています。ゴールドスミス・カレッジで美術学士号を取得し、ロンドンのロイヤル・カレッジ・オブ・アートで彫刻修士号を取得しました。チャナーの作品は、ニューヨークのリサ・クーリー・ギャラリーに所蔵されています。

（2015年現在）

ローター・ヘンペルプロフィールを見る

ベルリンを拠点とするアーティスト、ローター・ヘンペルは、絵画、彫刻、写真、映像を通して、視覚文化をシュールな視点で再解釈しています。ギリシャ悲劇、音楽、映画、政治、そしてダンスからインスピレーションを得たヘンペルは、発見したり収集したりしたイメージを力強いミクストメディア彫刻に融合させた、折衷的で夢のような人類学的インスタレーションを制作しています。

ローター・ヘンペル（1966年、ドイツ、ケルン生まれ）はベルリンを拠点に活動しています。ニューヨークのThe Kitchen（2014年）、スイス、バーゼルのMuseum Kleines Klingental（2013年）、パリのCentre National d'Art Contemporain（2007年）などで個展を開催。また、ロサンゼルス現代美術館（2010年）、イギリスのテート・リバプール（2004年）でのグループ展、イスラエルのヘルツリーヤ・ビエンナーレ（2011年）、ベルギーのボーフォート・トリエンナーレ（2009年）、韓国の光州ビエンナーレ（2008年）、第45回ヴェネツィア・ビエンナーレ（1993年）にも作品が展示されています。作品は、ニューヨーク近代美術館、ロサンゼルス現代美術館、イタリア、ナポリのFondazione Morra Grecoなどに収蔵されています。ヘンペルはドイツのデュッセルドルフにあるクンストアカデミーで学びました。ヘンペルの作品は、ニューヨークのアントン・カーン・ギャラリー、ロンドンのスチュアート・シェイブ/モダン・アート、パリのアート・コンセプト、ベルリンのゲルハドセン・ゲルナー、アテネのアンリミテッド・コンテンポラリー・アート、ミラノのジオ・マルコーニ・ギャラリーに所蔵されています。

（2015年現在）

ジョン・ラフマンプロフィールを見る

ジョン・ラフマンの芸術活動は、現実世界とデジタル世界の境界線がますます曖昧になっている現状を、新技術の豊かな可能性を掘り起こし、不可能を表現へと昇華させることで探求しています。彼は、世界中の道路を網羅するGoogleストリートビューの9台のカメラで収集された写真を流用した「9-Eyes」シリーズで最もよく知られています。

ジョン・ラフマン（1981年、カナダ、モントリオール生まれ）は、モントリオールを拠点に活動しています。モントリオール現代美術館（2015年）、ニューヨーク・ニューミュージアム（2013年）、パリ・パレ・ド・トーキョー（2012年）などで個展を開催。ワルシャワ近代美術館、北京ユーレンス現代美術センター、ニューヨーク国際写真センターなどでもグループ展に出展。ラフマンの映像作品は、マイアミビーチのアート・バーゼル、マイアミ現代美術館、エディンバラ・アーツ・フェスティバルなどで上映されています。作品は、ロサンゼルスのゲッティ・トラスト、ロンドンのサーチ・コレクション、ローマ現代美術館などに所蔵されています。ラフマンは2004年にマギル大学で哲学と文学の学士号を取得し、2008年にシカゴ美術館附属美術大学で映画、ビデオ、ニューメディアの美術学修士号を取得しました。ラフマンは、ロサンゼルスのM+B、ニューヨークのザック・フォイヤー・ギャラリー、ベルリンのフューチャー・ギャラリーに所属しています。

（2015年現在）

アマンダ・ロス・ホープロフィールを見る

アマンダ・ロス＝ホーは、作品を通して、イメージの流用と拡散、そして歴史的かつ現代的な視覚化ツールとしてのカメラレンズの進化した使用法を探求してきました。彼女の作品は、既存の文化的イメージを参照し、スケール、時間的文脈、物質文化、そして記憶の活性化を巧みに操っています。

アマンダ・ロス・ホー（1975年、イリノイ州シカゴ生まれ）は、ロサンゼルスを拠点に活動しています。個展は、クリーブランド現代美術館（2014年）、シカゴ現代美術館（2013年）、ロサンゼルス現代美術館（2012年）で開催されました。また、ロサンゼルス郡立美術館（カリフォルニア州）（2011年）とニューヨーク近代美術館（2010年）でのグループ展にも作品が展示されました。2008年には、カリフォルニア州コスタメサのオレンジ郡立美術館で開催されたホイットニー・ビエンナーレ2008とカリフォルニア・ビエンナーレに作品が収蔵されました。作品は、ロサンゼルス・ハマー美術館、ロンドン・サーチ・コレクション、コネチカット州ニューヘイブンのエール大学美術館、ロサンゼルス現代美術館、ロサンゼルス郡立美術館、オーストラリア・ブリスベンのクイーンズランド美術館に収蔵されています。ロス＝ホーは1998年にシカゴ美術館附属美術大学で美術学士号を取得し、2006年に南カリフォルニア大学で美術学修士号を取得しました。ロス＝ホーは、ニューヨークのミッチェル・イネス＆ナッシュとロンドンのザ・アプローチに所属しています。

（2015年現在）

ハンク・ウィリス・トーマスプロフィールを見る

ブルックリンを拠点に活動するアーティスト、ハンク・ウィリス・トーマス（1976年、ニュージャージー州プレインフィールド生まれ）は、多分野にわたる活動を通してアイデンティティの問題に取り組んでいます。写真、彫刻、テキストベースの介入を駆使して、トーマスは大衆文化、メディア、ブランディングを掘り下げ、権力構造が私たちの周りの世界の解釈に及ぼす影響を明らかにしています。最近の個展や展示会は、クリーブランド美術館（2013年）、アルドリッチ現代美術館（コネチカット州リッジフィールド、2012年）、コーコラン美術館（ワシントンD.C.、2012年）、ブルックリン美術館（ニューヨーク、2010年）、ナーマン現代美術館（ミズーリ州カンザスシティ、2009年）、ボルチモア美術館（メリーランド州、2009年）、ザ・ファブリック・ワークショップ・アンド・ミュージアム・ストアフロント（フィラデルフィア、2008年）で開催されました。トーマスは、ニューヨークのホイットニー美術館、ハーレムのスタジオミュージアム、ニューヨークのブルックリン美術館、アトランタのハイ美術館、ヒューストン美術館、ワシントンD.C.のナショナルギャラリーに所蔵されています。共同プロジェクトはサンダンス映画祭で紹介され、バーミンガム国際空港、オークランド国際空港、カリフォルニア州オークランド美術館、カリフォルニア大学サンフランシスコ校に公共展示されています。トーマスは、ニューヨーク大学ティッシュ芸術学校で美術学士号を、サンフランシスコのカリフォルニア芸術大学（CCA）で写真の美術学修士号と視覚批評の修士号を取得しました。トーマスは、CCAの客員教授を務めたほか、メリーランド美術大学とICP-Bardの美術学修士課程で講師を務め、イェール大学、プリンストン大学、バーミンガム美術館、パリのケ・ブランリー美術館で講義を行っています。トライベッカ映画協会のニューメディアフェローシップを受賞し、ボルチモアのジョンズホプキンス大学のアーティスト・イン・レジデンスでもありました。 2011年、トーマスはハーバード大学WEBデュボイス研究所のフェローを務めました。トーマスの作品は、ニューヨークのジャック・シェインマン・ギャラリーとヨハネスブルグのグッドマン・ギャラリーに所蔵されています。

（2016年現在）

ティムール・シチンプロフィールを見る

ティムール・シーチンの多分野にわたる作品は、安易な分類を拒みます。生物学、心理学、哲学への関心が、自然、文化、メディアテクノロジーを融合させたハイブリッドな作品を生み出しています。3Dプリントなどの最新技術を駆使し、私たちがイメージをどのように捉え、処理するかという進化生物学的な素因を探求する、挑発的な彫刻インスタレーションを制作しています。彼の作品は、物質主義、嗜好、欲望といった現代の文化的潮流に深く根付いた、根源的な衝動の証拠を明らかにすることに重点を置いています。

ティムール・シーチン（1984年、ドイツ、ベルリン生まれ）はベルリンを拠点に活動しています。作品は、北京のウレンス現代美術センター（2014年）、ローマのMAXXI美術館（2014年）、北京中近東美術博物館（2012年）、オハイオ州シンシナティ現代美術センター（2011年）、イリノイ州シカゴ美術館（2010年）などのグループ展に出品しています。また、2014年の台北ビエンナーレにも作品が展示されました。アーティストは、イタリア、ボローニャのCasa Natali/MAMbo、ロンドンのSpace、ベルリンのProgramでレジデンスを修了しています。2008年にアリゾナ大学で美術学士号を取得。シーチンは、ミラノのFluxiaとベルリンのSociétéに所属しています。

（2015年現在）

アーティ・ヴィアカントプロフィールを見る

アーティ・ヴィアカントの彫刻、デジタルアート、そしてビデオ作品は、知的財産、商業主義、そしてオンライン配信の本質を探求しています。本展のタイトルにもなっている「イメージ・オブジェクト」シリーズでは、彼は自身の展覧会で撮影した写真を再構成し、物理的なオブジェクトをデジタル画像へと変換することで、デジタル画像の変容と複製可能性を探求しています。

アーティー・ヴィアカント（1986年ミネソタ州ブレーナード生まれ）はブルックリン在住。2014年には、北京のユーレンス現代美術センターとニューヨークの国際写真センターのグループ展に作品が展示された。出版物には以下がある。 ポストインターネット時代のイメージオブジェクト and Facebook上のアーティストのソーシャルライフ「Club Kids」ヴィアカントはペンシルベニア大学で科学技術と社会を専攻し、美術学士号を取得しました。また、カリフォルニア大学サンディエゴ校で美術学修士号（MFA）を取得しています。ヴィアカントの作品は、パリのニュー・ギャラリーとニューヨークのメスラー/フォイヤーに所蔵されています。

（2015年現在）

作品について

アリス・チャナー 落石 (2015)

7つの彫刻を制作するために落石（2015年）では、アーティストはコンクリートの瓦礫をデジタルスキャンし、コンピュータソフトウェアを用いて3D画像を引き伸ばし、コンクリート、アルミニウム、コルテン鋼で鋳造された「岩」を拡大しました。生き生きとしたフォルムでありながら、結果として得られた形状は完全に機械加工されており、それぞれの彫刻の波打つ表面にはデジタル彫刻のメカニズムの痕跡が見て取れます。

ローター・ヘンペル FROZEN (2015)

FROZEN （2015）は、ヘンペルの記憶とイメージ文化における時間の影響への関心を反映しています。樹木の高さに吊るされた彫刻に描かれたスケートボードに乗る女性の画像は、1970年代に撮影されたように見えますが、実際には当時のオンライン情報源から引用されたものです。コンピューターエラーを示すおなじみの回転する虹色のホイールと組み合わせることで、この作品は、テクノロジーを媒介とした私たちの環境における記憶の進化という本質に疑問を投げかけています。記憶は、カメラ、意識、あるいはデジタルの遅延によって、時間の中で凍結されるのでしょうか？そして、それはどれくらい長く持続するのでしょうか？

ジョン・ラフマン（カーブマン・カラーラ）および（エレガンテカラーラ）、2015

「ニューエイジ・デマンデッド」シリーズには、（カーブマン・カラーラ）および（エレガンテカラーラ2015年の『The 1960s』（1960年）で、ラフマンは伝統的なギリシャ・ローマ時代の胸像の形状をデジタル技術で加工しました。これらの彫刻作品は、まず仮想の胸像を作成し、それをデジタル技術で歪ませたものです。かつて大理石の胸像は手作業でしか作られませんでしたが、ラフマンはコンピューター制御の工業用ツールを用いてこれらの形状を彫刻し、見慣れた人物像の形状を独自のデジタルデザインで隠蔽しています。仮想世界に焦点を当てたラフマンは、古典的な要素と現代のテクノロジーを織り交ぜ、記念碑的でありながら無表情、親しみやすく異質な作品を生み出すことで、現代生活のパラドックスを浮き彫りにしています。

アマンダ・ロス・ホー 光るものの性格と形（顔認識）、2015

光るものの性格と形（顔認識）2015年に制作された「The Globe」は、初期の写真マニュアルから引用した画像を複製した立体的なタブローです。アーティストによる以前の彫刻作品にひねりを加えたこのバージョンは、写真の探求を継続し、公共空間における芸術のデジタル後の世界を映し出しています。タブローの中心となるのは女性のマネキンで、その特徴は、ソーシャルネットワークに遍在する顔認識ソフトウェアを意図せず起動させてしまいます。ロス＝ホーはカメラレンズの「知性」を認め、マネキンの顔にネオンカラーの正方形を配置することで、この仮想的なフレーミングデバイスへの注意を喚起しています。

ハンク・ウィリス・トーマス自由 (2015)

自由（2015）は、1986年にハーレム・グローブトロッターが撮影した写真から着想を得た、キャンディコーティングされた等身大のブロンズ彫刻です。彼は指の上でバスケットボールを回転させ、写真の背景に描かれた自由の女神像を模しています。電子機器が私たちの視覚体験を媒介するデジタル時代において、写真から借用したこの立体的な腕は、鑑賞者に私たちを取り巻くイメージの構図や文脈について考えさせるよう促します。

ティムール・シチン 適応記念碑

作品のタイトルは、 適応記念碑ティムール・シチンは、デジタル時代におけるイメージ文化やブランディングに対する私たちの行動の変化に例える進化的な変化を指しています。これら3つの彫刻は、典型的な広告スペース――ストリップモールや自動車販売店の入り口に置かれるような――の形状を踏襲しており、その凹面形状は、視線がイメージの表面に数秒長く留まるように意図的に設計されています。これらの現代的なトーテムは、まるで儀式のようにシティホールパークに展示されており、シチンの象徴的な平和のロゴを幾度か繰り返し表現しています。これらのオブジェは、広告のプラットフォームというよりも、今日の視覚的風景における未来のモニュメントのような役割を果たしています。

アーティ・ヴィアカント 画像オブジェクト
アーティ・ヴィアカントの彫刻、デジタルアート、そしてビデオ作品は、知的財産、商業主義、そしてオンライン配信の本質を探求しています。本展のタイトルにもなっている「イメージ・オブジェクト」シリーズでは、彼は自身の展覧会で撮影した写真を再構成し、物理的なオブジェクトをデジタル画像へと変換することで、デジタル画像の変容と複製可能性を探求しています。

それぞれの作品は、元画像の日時を名前とするデジタルファイルとして誕生します。その後、ディボンドにプリントされ、カットされて彫刻の奥行きと存在感に迫る写真画像が作られます。作品が公式に記録されるたびに、新しい画像が修正され、元の物理的なオブジェクトの表現からますます離れた作品のバージョンが作られます。この新しいイメージオブジェクトは、ヴィアカントの最初の屋外作品であり、デジタルで修正された画像を大きなカットスチールキューブに直接印刷することで、写真撮影のプロセスを3次元形式に変換しています。形状と印刷された画像の間の視覚的なギャップは、知覚と視覚の柔軟性を探求しています。これは特に、ヴィアカントがオープニング後に作品の記録画像に介入する際に顕著です。これらの画像は、報道機関や美術館で配布されます。 Public Art Fund ウェブサイトでは、番組中に視聴者が撮影した画像とともに紹介されています。